De Kubrick, Welles, Spike Lee a Joanna Hogg y Hong Sang-soo: las películas favoritas de Martin Scorsese

Martin Scorsese es quizás un sinónimo de cine del siglo XX, y sus opiniones sobre la pantalla grande siempre serán un aporte. En este sentido, mientras prepara el rodaje de su nueva película “Killers of the Flower Moon”, en Culto hacemos un repaso por las películas que en diferentes instancias el cineasta ha calificado como sus favoritas, en sus palabras.

“Como todas las películas de terror memorables, se adentra profundamente en algo innombrable e indecible, y la violencia es tan emocional como física...puedo decirles que el control formal es tan impresionante como el de Hereditary, tal vez más, y que indaga en emociones que son tan reales y profundamente incómodas como las compartidas. entre los personajes de la imagen anterior. También puedo decirles que hay visiones verdaderas en esta imagen, particularmente en el tramo final, que no es probable que olviden. Ciertamente no lo he hecho”, escribió en la introducción al libro de guiones de A24.

“No puedo decirles lo profundamente inspirado y emocionado que estoy por el cine africano, como Yeelen, Touki Bouki, Trances, La Noire De ..., Al Momia, Bamako. Sigo volviendo a estas imágenes y cada vez la experiencia es más rica. Mi aprecio sigue creciendo por el talento, el poder y la sabiduría del cine africano“, dijo Scorsese durante la colaboración de su Film Foundation con el African Film Heritage Project en el invierno de 2019.

“Ella es asombrosa, Hogg. Simplemente no la conocía. No me di cuenta de quién hizo la película. No tenía ni idea de si era un hombre, una mujer, lo que fuera. Y es tan genial que puedes ver películas de esa manera y no saber quién lo hizo, y luego descubrirlo. Entonces puedes verlo como arte en sí mismo, por sí mismo”, dijo Scorsese a Film at Lincoln Center sobre el filme.

Un uso de la edición verdaderamente notable”, ese fue el argumento de Scorsese para recomendar esta película durante un club de cine de cuarentena para sus compañeros directores Edgar Wright y Quentin Tarantino. Además, incluyó Underground, del mismo autor.

“Me cautivó tanto este viaje, por así decirlo. Tengo tres hijas. Dos de otro matrimonio y mi hija menor acaba de cumplir 21 años. Así que, a lo largo de los años, la relación de madres e hijas se ha vuelto muy, muy importante para mí y fascinante, fascinante, un misterio. Algo con lo que me ocupo constantemente. Parece que los primeros 45 minutos de la escena son la escena del parto. Sentí como si lo hubiéramos pasado. Que realmente lo experimenté. La naturaleza del trabajo de la cámara, la escritura es tal que me sentí inmerso en la película. Ya no era una película. Estaba inmerso con esta gente”, dijo Scorsese mientras moderaba un panel de discusión sobre el filme.

“Se necesita una extraordinaria audacia, poder y agallas para decir: ‘Vamos a detener todo y llevar a todos de regreso a la época prehistórica’. Kubrick estaba diciendo: ‘Quiero que veas algo. Voy a llevarte a través de algo que nunca pensaste que experimentarías”, señaló el director cuando la colocó en su lista de películas favoritas para la encuesta Sight & Sound de 2012.

“La película tiene el poder de una alucinación. Puedo cerrar los ojos y ciertas imágenes me recordarán con la fuerza que tenían cuando las vi por primera vez hace más de cincuenta años”, dijo Scorsese sobre este filme, y a la vez que puso a Wajda como “un modelo para todos los cineastas”.

“Otra película de una casa encantada llena de tristeza y pavor”, escribió una vez Scorsese sobre esta película, que usó como una referencia para su Shutter Island (2010).

“Muy pocos directores han sido lo suficientemente valientes como para siquiera intentar mostrar la historia en ciernes. Esta película trata sobre un momento de cambio increíble en la historia de la India y se cuenta desde una perspectiva cómica que es un sello distintivo del trabajo de Ray. Al verlo de nuevo, me doy cuenta de que esto es lo que realmente debe sentirse al vivir un momento de cambio histórico. Se siente tan grande y trágico al mismo tiempo “, dijo tras la restauración de la película gracias a su Film Foundation.

“Esta fue una fuerza de la naturaleza que entró. Una creación que borró la pizarra del tipo de películas que lo precedieron”, dijo en su encuesta Sight & Sound de 2012 que enumera sus películas favoritas. Además, mencionó los aportes técnicos que le llamaron la atención: “Hagamos todo lo que nos dijeron que nunca hiciéramos. Los ángulos bajos y las lentes de distancia focal profunda, la estructura de la historia, los flashbacks, las imágenes superpuestas: nadie había visto nada. Gusta.”

“Es un retrato demoledor de un matrimonio que va mal, y es muy profundo, especialmente durante la larga y justificadamente famosa escena entre Piccoli y Bardot en su apartamento: incluso si no sabes que el propio matrimonio de Godard con Anna Karina se estaba desmoronando en ese momento, puedes sentirlo en la acción, el movimiento de las escenas, las interacciones que se extienden de manera tan dolorosa pero majestuosa, como una pieza de música trágica”, dijo.

“Un clásico británico: cuatro cuentos contados por cuatro extraños misteriosamente reunidos en una casa de campo, cada uno extremadamente inquietante, culminando con un montaje en el que elementos de todas las historias convergen en un crescendo de locura”, dijo Scorsese a The Daily Beast.

“Barbara Hershey interpreta a una mujer que es brutalmente violada y violada por una fuerza invisible en esta película verdaderamente aterradora”, dijo Scorsese a The Daily Beast sobre este filme.

“Un clásico, parodiado sin cesar, muy familiar, y es tan horroroso como lo fue el día en que salió. Esa habitación, el frío, la luz violeta, las transformaciones demoníacas: realmente te atormenta”, dijo en una lista publicada por The Daily Beast.

Como una de sus películas de terror favoritas jamás realizadas, y “absolutamente aterradora”, así se refirió Scorsese a este filme protagonizado por Richard Johnson.

“Esta adaptación de Jack Clayton de La vuelta del tornillo es una de las raras imágenes que le hace justicia a Henry James. Está bellamente diseñada y representada, inmaculadamente filmada (por Freddie Francis) y muy aterradora”, ha dicho Scorsese sobre esta película, una de sus películas de terror favoritas.

“Hay un momento en esta imagen de Val Lewton, sobre las víctimas de la peste atrapadas en una isla durante la guerra civil griega, que nunca deja de asustarme”, dijo Scorsese a The Daily Beast sobre este filme.

“Recuerdo cuando lo vi por primera vez, lo disfruté. En los Estados Unidos, la gente esperaba un western, pero puede parecer un western y puede parecer un western [pero no lo es], por lo que la gente lo ignoró o se rió de él. Es una imagen tensa, poco convencional y elegante, llena de ambigüedades que la hacen extremadamente moderna”, dijo sobre el filme.

“La imagen te lleva a un lugar seguro, estamos viendo una película, está en una pantalla, y de repente somos catapultados al ahora. Justo al lado de usted. Porque no solo es real, lo que está viendo en la pantalla, está sucediendo. Esta pasando. Y está sancionado por el gobierno. Trasciende el medio, lo que hizo allí en los últimos 10 minutos. Es cine y es hermoso”, ha dicho Scorses sobre esta película de Spike Lee.

“Vigo fue un cineasta visionario que supo hacer cuatro películas antes de morir. Como todas las grandes obras, esta película es única “, dijo Scorsese al presentar una restauración del filme en 2017. “Ves en cada imagen y en cada cuadro un amor y una pasión trascendentes por el cine en sí. Tiene eco en la pasión entre marido y mujer. Vigo siguió trabajando hasta el final de su vida, incluso cuando estaba tan débil y enfermo que tuvo que dirigir desde una camilla”.

“Es difícil pensar en una película que tenga una comprensión más poderosa de la forma en que las personas están ligadas al mundo que las rodea, por lo que ven, tocan, saborean y escuchan. Me doy cuenta de que se supone que la película trata sobre personajes que están ‘alienados’ de su entorno, pero esa palabra se ha utilizado con tanta frecuencia para describir esta película y las películas de Antonioni en general que más o menos cierra el pensamiento. De hecho, lo veo, más que nunca, como una película sobre personas en angustia espiritual: sus señales espirituales se interrumpen, por lo que ven el mundo que los rodea como hostil e implacable. Visualmente, sensualmente, temáticamente, dramáticamente, en todos los sentidos, es una de las grandes obras del cine”; ha dicho sobre esta película.

“Es una película que se ha vuelto cada vez más importante para mí a medida que pasan los años. Los paisajes, los escenarios extraordinarios con sus objetos y diseños cuidadosamente seleccionados, los trajes, las ceremonias y los rituales, todo está al servicio de profundizar nuestro sentido del tiempo y el cambio a gran escala, y la imagen completa culmina en una hora secuencia en un baile en el que se puede sentir, a través de los ojos del príncipe, toda una forma de vida“, ha dicho sobre este largometraje.

“Cada vez que la reviso, que es una o dos veces al año, crece. Se vuelve mucho más conmovedor y profundo. Ha habido grandes películas que he visto innumerables veces a lo largo de los años, pero con esta me siento más cómodo, lo que dice sobre crecer y cómo dejarlo ir”, ha dicho.

“Desde los años 30 hasta los 50, los diferentes logotipos de estudio en la cabecera de cada imagen tenían sus propias asociaciones y expectativas. Y para mí, el nombre República sobre el águila en la cima de la montaña significaba algo especial. Republic Pictures era lo que se conocía como un estudio de la ‘fila de la pobreza’, pero lo que les faltaba a sus imágenes en recursos y prestigio lo compensaban con inventiva, sorpresa y, en ciertos casos, verdadera innovación”, dijo Scorsese.

“Jacques Tourneur hizo esta película sobre antiguas maldiciones cerca del final de su carrera, pero es tan potente como sus películas para Val Lewton”, dijo Scorsese a The Daily Beast. “Olvídate del demonio en sí, de nuevo, es lo que no ves lo que es tan poderoso”.

“Esto es visualmente impresionante, lo que hizo. Es una especie de cruce entre el antiguo estilo de producción y los nuevos estilos que iban a aparecer en los años sesenta. En cierto modo, la esencia es del viejo Hollywood”, dijo al restaurar la película con su fundación. Es la única película que dirigió Brando.

“Lo vi por primera vez en la televisión con mis abuelos, y su abrumadora reacción a lo que había sucedido en su tierra natal desde que se fueron a principios de siglo fue tan presente y vívida para mí como las imágenes y los personajes”, dijo Scorsese. “Estaba experimentando el poder del cine en sí, en este caso hecho mucho más allá de Hollywood, en condiciones extremadamente difíciles y con un equipo inferior. Y también estaba viendo que el cine no se trataba solo de la película en sí, sino de la relación entre la película y su audiencia “.

“Una vez más, es tan familiar que piensas: gran película, pero ya no da tanto miedo. Luego lo miras ... y rápidamente empiezas a pensar de nuevo. La ducha...el pantano...la relación entre madre e hijo, es extremadamente inquietante en muchos niveles. También es una gran obra de arte”, dijo.

“Cuando vi esta película, tenía 13 años y la película se estrenó un mes después de que James Dean muriera en un accidente automovilístico. Era una época perfecta para ver la película. Cualquier edad es la edad perfecta para ver la película, pero en 1956 nos hablaba directamente a nosotros, los adolescentes. Era como si existiera un lenguaje secreto en la película. Es algo que se me ha quedado grabado durante años”, dijo.

“He dicho y escrito mucho sobre esta imagen a lo largo de los años; para mí siempre ha sido uno de los mejores que se han hecho, y cada vez que vuelvo a mirarlo, aproximadamente una vez al año, es nuevo. Revela otro lado, otro nivel, y va más profundo. Es hermoso, una de las películas en tecnicolor más hermosas jamás hechas; tiene un extraordinario sentido de la magia”, dijo.

“Esta fue la primera película de Jean Renoir después de su período estadounidense, la primera en color, y usó la novela autobiográfica de Rumer Godden para crear una película que trata, realmente, de la vida, una película sin una historia real que tiene que ver con el ritmo de la existencia, los ciclos de nacimiento, muerte y regeneración, y la belleza transitoria del mundo “, dijo en declaraciones a Criterion.

“Un amor y comprensión profundos y duraderos de Sicilia y su gente y la traición y corrupción he tenido que soportar. Nunca está seco, tiene sangre fluyendo por sus venas y está filmado en blanco y negro que es absolutamente electrizante. ‘Salvatore Giuliano’ es, entre muchas otras cosas, un gran himno a Sicilia, la tierra de mi familia, y solo por esa razón lo aprecio”, dijo.

“Sólo un artista tan grande como John Ford se atrevería a terminar una película con tal nota. En su momento final, Los buscadores de repente se convierte en una historia de fantasmas. El sentido de propósito de Ethan se ha cumplido y, como el hombre al que le dispararon los ojos, está destinado a vagar para siempre entre los vientos“, señaló.

“Nunca leí la novela de Stephen King, no tengo idea de cuán fiel es o no, pero Kubrick hizo una película majestuosamente aterradora, donde lo que no ves o no comprendes ensombrece cada movimiento los personajes hacen”, dijo.

“El drama sigue a un pastor de vacas y su amigo estudiante universitario mientras se proponen recaudar suficiente dinero para poder mudarse a París y dejar su hogar atrás”, dijo Scorsese restauró el drama y lo presentó en el Festival de Cine de Cannes 2018.

“Hay momentos en la imagen, famosos, que he visto una y otra vez y que siempre me dejan sin aliento: el barco se materializa lentamente entre la niebla y viene hacia nosotros, Genjuro colapsando sobre la hierba en éxtasis y siendo sofocado por Lady Wakasa, la última grulla del hijo haciendo una ofrenda en la tumba de su madre a los campos más allá. Solo pensar en estos momentos ahora me llena de asombro y asombro”, dijo.

“Otra película de una casa encantada más benigna, ambientada en Inglaterra, no menos atmosférica que ‘The Haunting’: el tono es muy delicado y la sensación de miedo está entretejida en el escenario, la gentileza de los personajes”, ha dicho.

“Es difícil poner en palabras exactamente lo que significa ‘Vértigo’ para mí como amante del cine y como cineasta. Como es el caso de todas las grandes películas, películas verdaderamente grandes, no importa cuánto se haya dicho y escrito sobre ellas, el diálogo al respecto siempre continuará. Porque cualquier película tan genial como Vértigo exige algo más que un sentimiento de admiración, exige una respuesta personal”, dijo.

“En cada una de las películas de Hong que he podido ver, todo comienza sin pretensiones. En esta película comienzas con dos amigos hablando mientras toman una cerveza. Te sumerges en escenas con personas con una historia e infieres la tensión y los altibajos de su relación a medida que avanza la película. Las imágenes de Hong Sang-soo se despegan como una naranja”.