Las 10 películas favoritas de Charly García

El drama de ciencia ficción protagonizado por Harrison Ford transcurre en el año 2019, en una distópica ciudad de Los Ángeles. En los años anteriores, la compañía Tyrell Corporation logró tales avances en materia de ingenieria biogenética que pudieron crear un tipo de robot bautizado como Nexus 6, una réplica casi exacta de una persona que poseía muchas más habilidades.

Después de una rebelión contra los humanos, los robots fueron desterrados de la Tierra. Sin embargo, un grupo de réplicas rebeldes persistía. Así, un ex blade runner -la brigada policial dedicada a perseguir y “retirar” a los Nexus 6 que no acataran su condena- es llamado a desistir de su retiro para perseguir al grupo.

Entre distopía, nuevas tecnologías, un ambiente cyberpunk y una trama policial, el filme de Ridley Scott (basado, en parte, en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? del escritor Philip K. Dick) plantea un debate filosófico que se pregunta sobre qué es lo que realmente nos hace humanos. En el año de su estreno, Blade Runner recibió críticas mixtas de la crítica. Sin embarglo, los años la han alzado como un verdadero filme de culto del cine del siglo XX y, por supuesto, uno de los trabajos dramáticos más trascendentales de Harrison Ford.

Basada en la exitosa novela homónima del ruso Vladimir Nabokov, Lolita es una de las piedras angulares del cine de Kubrick, acaso uno de los cineastas más connotados de nuestros tiempos, aunque su historia no resulta fácil de digerir. Humbert, un hombre de 40 años que llega a hospedarse en la casa de Charlotte Haze, una viuda que arrendaba habitaciones en su hogar.

Aunque no estaba del todo convencido de quedarse en dicho lugar, su opinión cambió cuando divisó en el jardín a la hija de Charlotte, Dolores, una niña de 14 años que despertó un interés amoroso en el sujeto. Así, la trama cuenta el cortejo desde el punto de vista de Humbert, pederasta que incluso llega a casarse con Charlotte para mantenerse cerca de la niña.

La frase con la que los carteles anunciaban la película era brutalmente sincera: “¿Cómo pudieron hacer una película de Lolita?”. Al igual que la novela, el filme no tardó en alcanzar el éxito, aunque eso significó una condena definitiva para la carrera de Sue Lyon, la actriz de 14 años que encarnó a Lolita y que ni si quiera pudo asistir al estreno por su entonces minoría de edad. La estrechez de Hollywood y el morbo de la industria no tardaron en encasillarla en el papel de ninfa, una condición de la que Lyon intentó deshacerse. Finalmente, una serie de infortunios personales y malas decisiones la llevaron a abandonar la actuación con apenas 21 años.

Incómoda, sugerente y polémica, Lolita es, sin dudas, otro de los clásicos del cine anglosajón del siglo XX.

Había una vez un heredero a la corona del rey que fue traicionado por su hermano, quien tomó las riendas del poder ilegítimamente. La esposa del verdadero heredero temió por la suerte que entonces podría correr su hijo Jasón. Así, decidió organizar un funeral falso y encargar su educación a Quirón, un centauro conocido por formar a varios héroes griegos.

Con 20 años, Jasón decide retornar al reino a cobrar la corona que por herencia paterna le correspondía. Pero el entonces rey había consultado el oráculo y sabía que pronto llegaría un hombre a poner en peligro su poder. Así, cuando Jasón se presenta ante él, acepta entregarle el trono con una condición: que viajara a la Cólquide a buscar el vellocino de oro, un tesoro custodiado por dos toros y un dragón. Una misión imposible.

Así, Jasón emprende viaje en un barco bautizado como argo, cuyos tripulantes, 50 de los héroes más destacados de la mitología griega -entre ellos, Hércules-, eran los argonautas.

El mito narrado en la epopeya Argonáuticas, una de las obras más importantes de Apolonio de Rodas y donde las figuras femeninas tienen un papel fundamental, fue llevado a la pantalla grande bajo la dirección de Chaffey, con la imprescindible ayuda de Ray Harryhausen en los efectos especiales. Lo que la dupla logró en términos visuales fue impresionante. Aún así, Harryhausen no pudo valerse de una nominación al Oscar por su labor, aunque el tiempo lo ha reivindicado como uno de sus trabajos más destacados.

La taquilla de la época tampoco fue del todo positiva, pues ni si quiera lograron recuperar la cifra invertida. Aún así, se trata de una joya de los filmes épicos y mitológicos.

Por su adaptación en Hispanoamérica, Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba es otro de los grandes clásicos de la filmografía de Kubrick, un director que ha penetrado profundo en la vida artística de Charly García (inspirando incluso uno de los temas de su último disco: Ella es tan Kubrick).

Dr. Strangelove es una de las obras cumbres del denominado cine antibélico. Una sátira mordaz filmada en blanco y negro que aborda la constante de la disuasión nuclear en el contexto de la guerra fría, el conflicto ideológico que transformó a los soviéticos en uno de los enemigos predilectos en las películas del Hollywood de aquella época.

Aquí, Kubrick nos presenta a Jack D. Ripper -cuyo nombre se pronuncia Jack The Ripper, en español, Jack El Destripador-, un general de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos que propone iniciar una guerra nuclear contra la Unión Soviética para evitar una supuesta conspiración comunista que busca “fluorizar” el agua potable, algo que prácticamente terminaría envenenando a sus compatriotas. Ripper sólo bebe agua destilada y está seguro de que los rusos no beben agua, sólo vodka.

Así, y sin la autorización explícita del presidente, El Destripador ordena a su escuadrón nuclear de combate que bombardeen a sus diversos objetivos soviéticos con el fin de que el mandatario no tenga más opción que desatar la guerra. Algo que el general desconoce es que los rusos contarían con un Dispositivo del Fin del Mundo, una especie de alarma que se activará automáticamente ante cualquier tipo de ataque nuclear, destruyendo así toda la vida en la Tierra.

El actor y comediante británico Peter Sellers es la estrella definitiva de la película. Con actuaciones magistrales, Sellers encarnó nada menos que a tres de los personajes del filme: el capitán de aviación de la Royal Air Force, Lionel Mandrake; el presidente de los Estados Unidos, Merkin Muffley; y el Dr. Strangelove, el asesor ex-nazi del mandatario estadounidense.

Las cosas transcurren en un tren que va desde Sevilla a Madrir. Allí, Mathiu Faber, un hombre que se traslada en la maquinaria, le cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus desventuras amorosas con Conchita, la bailarina que le robó el corazón desde que se conocieron por primera vez en París.

Sin embargo, la mujer, lejos de corresponder las pretensiones de Faber, comienza un verdadero juego de tira y afloja que pone a prueba la obsesión del caballero, provocando que sus sentimientos pasen desde el deseo a la frustración, como también del amor al odio.

El drama romántico del director español es la última película que versa en su catálogo. La historia adaptada de la novela La mujer y el pelele del autor francés Pierre Louÿs fue el cierre de una carrera marcada por la alianza del lenguaje cinematográfico con las corrientes surrealistas que proliferaban en Europa.

Aunque sobre el nombre de Brunel versan varios clásicos de culto del cine hispanohablante, hay muchos críticos especializados que señalan a Ese oscuro objeto del deseo como la obra cumbre de su carrera como director. Una trama que desentraña cómo un hombre termina transformándose en una verdadera caricatura de sí mismo sólo por tratar de conseguir el favor romántico de su pretendida.

Alguna vez, Charly García dijo: “Si alguien me dice que no le gustan Los Beatles ya no confío tanto en él”. El cuarteto de Liverpool fue una inspiración fundamental para la carrera del músico. Formado en las artes clásicas del piano, fueron los británicos quienes le demostraron a Charly que su talento como maestro del piano también podía manifestarse a través del rock.

A hard day’s night fue la primera incursión cinematográfica del denominado fab four. Un falso documental que retrata lo que eran un par de días en la vida del grupo británico que cambió la historia de la música occidental. Cabe destacar que en el año de su estreno, la beatlemanía era una realidad que se encontraba en pleno auge.

Con un guion escrito por Alun Owen, el debut de la banda en la gran pantalla fue todo un éxito tanto en la taquilla como en la crítica. Hasta el día de hoy es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.

La curiosa frase que encapsula el filme y el álbum que apoya su banda sonora fue dicha por Ringo Starr. Así lo recordó el baterista en una entrevista con Dave Hull: ”Fuimos a hacer un trabajo, habíamos trabajado todo el día y resultó que terminamos trabajando también toda la noche. Por algún motivo pensé que era de día, supongo, y dije: ‘Ha sido un duro día... (It’s been a hard day...)’ y miré a mi alrededor y vi que estaba oscuro y dije: ‘... ¡de noche!’ (...’s night!). Así llegamos a A Hard Day’s Night”.

Protagonizada por Zero Mostel y Gene Wilder, esta comedia musical es considerada como una de las mejores no sólo de su director, sino que también en su género.

Mostel, un productor de Brodway, se encuentra en apuros económicos. Las dificultades monetarias lo motivan a organizar una estafa para recaudar fondos y, así, levantar una obra que esté condenada al fracaso. Por su parte, el inevitable malogro de la obra le permitirá quedarse con todo el dinero.

Para alcanzar ese cometido, Mostel une fuerzas con Wilder, un contable más bien tímido que se une al plan con la expectativa de hacerse rico. Cabe destacar que The producers fue el debut en el cine de Mel Brooks, que pronto se convertiría en uno de los directores más taquilleros de los 70.

Una primera producción que no sólo se hizo de buenas críticas en la prensa especializada, sino que también se alzó como una de las películas con mayores recaudaciones de 1968.

Woddy Allen es otro de los pesos pesados del cine contemporáneo. El título de la película hace referencia al término deportivo que refiere al punto que define qué equipo o jugador resultará ganador en un partido. Dos palabras que calzan a la perfección con una historia de amor protagonizada por Chris Wilton, un humilde y joven tenista retirado que pasa sus días ofreciendo clases en un centro deportivo privado.

El lugar suele ser frecuentado por familias adineradas. En ese contexto, entabla una amistad con un tenista amateur y millonario. Motivado por sus aspiraciones de ascender en la escala social, Wilton comienza un cortejo con la hermana de su amigo que termina en un noviazgo.

Pero sus planes se van en picada cuando conoce a Nola Rice, la novia de su ahora cuñado que es rechazada por la familia del joven. Poco a poco, Rice y Wilton inician un acercamiento que concluirá con una aventura romántica que, aparentemente, no tendrá un final feliz.

Match Point, protagonizada por Jonathan Rhys-Meyers y Scarlett Johansson, es una de las obras más destacadas de Allen, junto con títulos como Annie Hall (1977), Manhattan (1979) y Medianoche en París (2011).

En plena guerra fría, dos ángeles sobrevuelan el territorio de Berlín, por entonces divido por el muro que simbolizaba la polarización ideológica que reinaba en el mundo moderno. Su presencia sólo es visible para los niños y los hombres que gozan de un corazón puro.

Sin embargo, los ángeles no pueden hacer nada para cambiar las cosas en la Tierra. Sólo ayudarlos en sus momentos de dolor y reconfortarlos en sus momentos de tristeza, ayudándolos a recuperar sus ganas de vivir.

Uno de ellos se convence de conocer los sentimientos de los humanos y, poco a poco, comienza a manifestar su deseo de tener la vida de un mortal. Tanto así, que se muestra dispuesto a dejar su inmortalidad de lado para comenzar una vida común y corriente.

Estrenada en momentos álgidos de la política mundial, su proyección en las salas de cine fue un verdadero momento de reflexión para los espectadores, especialmente para aquellos radicados en Alemania. A través de su argumento, Las alas del deseo se alzó como una reflexión en torno al pasado y presente del país germánico.

Gustav Mahler, compositor y director de orquesta austro-bohemio y emblema de la corriente del posromanticismo, es el personaje que inspira esta biopic. Mahler, junto con Richard Strauss, es considerado por la historia como uno de los artistas más relevantes de su época.

Su estreno fue programado para el Festival de Cannes de 1974, donde logró coronarse como la ganadora del Gran Premio Técnico. A través de su argumento, Russell presenta parte de la vida del compositor, marcada por el antisemitismo, una salud bastante precaria y el miedo casi obsesivo por la muerte.

También aborda parte de su historia amorosa con su esposa Alma, que en la película está siendo constantemente incitada por su amante para que por fin se decida a abandonar a su esposo.

Una de los filmes biográficos indispensables sobre grandes compositores de la historia.

La onceava recomendación entregada por García, casi a modo de bonus track, cita a una de las grandes obras maestras de Spielberg, uno de los genios del cine moderno que logró con sus películas lo que hasta entonces parecía imposible de realizar.

Acompañada del escencial soundtrack compuesto por John Williams, Jurassic Park se instaló rápidamente en la lista de las películas más taquilleras del cine, al igual que otros filmes de Spielberg como Tiburón o E.T., ambos con la magia musical que entregan las composiciones de Williams.

En efecto, esta producción marcó un antes y un después en la forma de hacer cine de ciencia ficción. Protagonizada por Sam Neill, Jurassic Park es la película definitiva sobre las criaturas del período Triásico. Una obra maestra que dejó para la posteridad una verdadera empresa que hasta el día de hoy sigue cosechando éxitos.