Esta es la mejor música que pasó inadvertida en 2022

“Uno que me dejó pegado y no mucha gente conoce hasta ahora, es el nuevo disco de Chez Kane, una joven cantante inglesa que hace un hard rock melódico retro ochentero realmente alucinante. Es cierto que hay muchos proyectos con influencias de los 80, pero esto va un paso más allá y recupera todo un espíritu, aprovechando que la chica canta increíble. Es como una reencarnación de lo que hacían Pat Benatar, Heart, Vixen, Robin Beck, Lita Ford y otras similares. El disco se llama Powerzone, es el segundo que hace después de su debut del año pasado que era igual de bueno, y podría ser la banda sonora perfecta de la nueva Top Gun, Stranger Things, Cobra Kai y cualquier cosa con guiños a esa década. Riffs enganchadores, melodías pegadizas, una energía que sube el ánimo y canciones que dan ganas de ponerlas de nuevo cuando terminan. Según yo, están para ser coreadas en estadios, así que me declaro en una cruzada para que más gente la conozca”.

“Creo que lo que está haciendo María en canciones como Dios te salve y Chini.png está bien interesante. Ambos proyectos son distintos entre sí y creo que merecen mucha atención y más atención de lo que se les ha puesto. María tiene una propuesta conceptual y estética súper interesante. Y Chini.png tiene un sonido y unas canciones que están más en el mundo del rock que me encantan”.

“Sun ‘s signature. Es el primer trabajo que no es single con la voz de Liz Fraser desde 1996, y no suena nada a Cocteau Twins. Me sonó familiar, nostálgico quizás, y novedoso a la vez. Me dejó con ganas de un larga duración, o una carrera próxima y constante”.

“Khruangbin, un trío con este guitarrista extraordinario, ese baterista a la cabeza y esa bajista fenomenal, esa música como totalmente easy listening, media porno, media guitarrista híperlativo, increíble él como instrumentalizador, fantástica banda. Me mató ese grupo. De seguro deben llevar varios años, pero yo entré con locura hace algún tiempo y sin duda es la banda que más me ha llamado la atención, repito, por esa sensación de encontrarse con un músico, con un intérprete, una voz dentro de la guitarra, en una época en que a veces nos cuesta leer a los instrumentistas con tanta claridad y pureza”.

“Eight del disco Inside Problems de Andrew Bird. Casi siete minutos que resumen las virtudes de Andrew. Violín como guitarra como si fuera un arreglo de Johnny Marr barroco, un silbido como coro. Para mí, es de los artistas más infravalorados del milenio. Cómo anécdota, hace unos años Bird intentó hacer una gira por este lado del planeta. Se suponía que si comprabas en verde, él podía gestionar teatros y no ir tan a pérdida. La meta eran como 300 tickets a 25 dólares creo. Hasta en Lima vendió más que Santiago. Obviamente no se hizo la gira. No tiene un disco malo. Andrew es un genio”.

“Me quedo con The Smile, la banda de Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead. Creo que junto a la producción de Nigel Godrich y el baterista Tom Skinner, es más que una banda proyecto como el gustito de la temporada, creo que hay un futuro. Y la mezcla que hacen de lo que ya es tan característico de Radiohead con lo electrónico y algunos beats medios afro, es perfecta en su elemento más post punk visceral. Me quedo con dos canciones de A light for attracting attention, que es como un EP más alargado, que dan a entender la necesidad de Thom Yorke de expresarse acá en cosas que no podría hacer con Radiohead. Una de esas, es una canción muy rockera como en mucho tiempo no escuchábamos en Radiohead por ningún lado, que se llama You Will never work in television, y luego una obra maestra de canción que se llama Pana-vision. En ambas cosas, una muy rockera y la otra con Tom Yorke en su piano, se nota por qué necesita esta línea de expresión y liberarse de Radiohead para hacer algo que, a mis oídos, es más interesante incluso que el Radiohead de A Moon shaped pool. De lo poco bueno, dicen, las canciones no son muchas, pero el futuro puede ser brillante”.

“Le he puesto mucha oreja al Cool It Down de Yeah Yeah Yeahs. Siempre me dolió que se cayeran del primer Lolla en Chile y cuando escuché el primer adelanto en agosto de este año, Spitting off the edge of the world, quedé pegadísimo. Igual pasaron nueve años y eso creo que les juega en contra en la exposición, imagino que harta gente los olvidó. Pero a mi Karen O siempre me pareció una máquina de ruido urgente. Y ahora que matiza más, mucho mejor. Pensé que el disco venía como algunas de sus cosas anteriores, pero fue bacán escucharlo completo, cortito además, y pasar por varios estados. Harto sintetizador, harto vaivén y siempre muy saturado, mucha potencia”.

“Doler crece, Cristobal Briceño. Tenía poco poco contacto con su música, y lo que escuché me parece que es un trabajo muy bueno, de alta calidad, producido por Diego Peralta y grabado en un departamento básicamente. El sonido que se logra es de alto nivel, explorando cosas más funk, más soul, y las letras precisas y reales de Cristobal Briceño. Luego, Luz de flash de Congreso. Otra vez ponen de manifiesto su calidad, versatilidad, talento y maestría musical. Muy rockero el disco pero no un rock de guitarras, no el rock estereotipado, sino con actitud, moderno, latinoamericano, chileno, suena muy de acá. Un disco con los elementos que conocemos de Congreso del jazz, música experimental, etcétera, pero siempre con ese olor a lo chileno, lo que viene de acá. Un disco lleno de carácter.

Por último, Cortacalles de Tenemos explosivos. Si hablamos de rock un poco más clásico en términos de sonido, guitarras, verso, es uno de los puntos altos del año con todo lo relacionado al estallido social. Muy contingente, político y realista también, que viene de una banda que prescinde de los medios de comunicación y tiene su legión. Cada tanto, cuando se juntan y vienen, llenan locales y hacen giras por todo Chile. Son un fenómeno interesante de hace años que viene dando que hablar. Uno de los discos excelentes de este 2022″.

“Estoy pegada con Chao de Yorka. Creo que es un disco redondito que muestra la madurez a la que han llegado, una evolución que ha demostrado crecimiento, que da cuenta además de la apertura a nuevas sonoridades, que las hace fluir súper naturalmente y pasearse por distintos estilos y géneros. La mano de Cristian Heyne se nota y convive super bien con la propuesta de ellas. Que Daniela se atreva a componer siguiendo los pasos de su hermana con su sello particular, pero manteniendo la identidad de la banda, hizo algo súper bonito con una canción como Película de terror, que terminó siendo una de las favoritas de la gente que las sigue. Muchos durante la pandemia tuvimos que decir ‘chao’ y que este disco lo diga de tantas maneras distintas, a propósito de diferentes circunstancias pero de una manera bonita, me parece que hace que sea super redondo en contenido, estilo, sonoridades, y hasta de estética. Hasta eso está super bien cuidado y da cuenta de un gran año que cierran las chiquillas de San Bernardo, y que ha sido a punta de puro talento y trabajo”.

“Acaba de lanzar la bajista América Paz un disco que se llama Message from the stars, con colaboraciones de Ernesto Holman, Jorge Campos, Felo Ilabaca. Lo escuché y quedé muy impresionado. Me pareció prodigioso. Es un trabajo instrumental pero que mete toda esta línea de (la serie animada) ThunderCats por un lado -toda esta música animé-, y por otro lo étnico mapuche. Todo mezclado y funciona súper bien, muy jugado, con muchos paisajes. Está súper bueno”.

“Feli Colina con El Valle Encantado. La cantante oriunda de Salta es una de las últimas revelaciones del cancionero argentino, con una historia de película: llegó a Buenos Aires para cantar en el subte, grabó su primer álbum gracias a las propinas, y fue descubierta en uno de esos tantos viajes por un periodista de Clarín que la puso en titulares y la precipitó al estrellato. Esta temporada editó este tercer álbum, donde el talento se impone mucho más que una historia mágica. Ahí hay folclore maridado con bases urbanas, hip hop alterado por texturas hipnóticas, chacareras que parecen recibir el influjo de Ana Tijoux. Un híbrido imperdible del actual cancionero sudamericano. Luego The Linda Lindas con Growing Up. El grupo femenino y juvenil nacido en Los Ángeles presenta un debut que huele a dinamita, veloz y explosivo, rabioso y descarnado, como si Siouxsie Sioux encarnara un par de adolescentes al ritmo de una batidora. Un torbellino que anuncia un ruidoso y sólido porvenir.

Finalmente, África Negra y su Antología Vol.1. La música africana casi siempre queda excluida de los grandes recuentos musicales, monopolizados de forma abrumadora por los nombres anglo. Latinoamérica, Asia u otros grandes polos creativos corren igual suerte. Este compilado intenta matizar el desbalance. África Negra es un conjunto nacido a principios de los 70 en las islas que forman la nación africana de Santo Tomé y Príncipe, por entonces colonia portuguesa. Desde ahí, despacharon una obra perfilada por guitarras cristalinas, percusiones tenues, un sentido del baile que tenía al Caribe como radar y vocalizaciones irresistibles. Si los pocos sonidos que ha recibido Occidente desde el continente africano provienen básicamente de naciones como Nigeria o Camerún, este compilado aparecido este año –que recoge gran parte de la carrera de África Negra- sirve para conocer otras latitudes y arrojarse a otros estímulos con afán de explorador.

“Hoy, con la cantidad de música que tenemos a disposición, llámese el streaming, es raro lo que significa un disco nuevo porque en el fondo, a menos que uno sea una persona muy seguidora de la actual musical, cosa que yo no soy para nada, hay un infinito, hay más mucho más para escuchar de la que seremos capaces en en toda nuestra vida. Si podría decir que el disco Amor Urgente de la Magdalena Mathey me parece una belleza qué pasó completamente piola, que está increíble con esa colaboración con León Gieco”.

“Caballito de Guitarricadelafuente. Para mí es una revelación, porque tiene como una cosa muy antigua y otra muy nueva al mismo tiempo. Es un cabro chico igual que está haciendo una especie de pop muy de raíz desde su territorio y lo encuentro muy genuino, muy interesante. Esta canción me gusta por el ritmo, la producción, por cómo suena. Súper atrevida con pocos elementos. Se parece mucho a la manera de hacer música que a mi me gusta, a la que yo aspiro”.

“Me esfuerzo por seguirle la pista a la cantautoría joven (y no tan joven) francesa, en parte por lo mucho que cuesta acceder desde acá a una selección confiable y reveladora, considerando que la prensa musical especializada que se supone nos orienta está casi siempre en inglés, ¿no? Hay varios nombres ahí con discos 2022 dignos de la atención: el rapero Lomepal, lo nuevo del trovador Dominique A, el pop reposado de la filósofa que se presenta cuando canta como La Feline, y lo impredecible que vuelve a ser Pascal Comelade. Pero me sorprendió mucho el cantautor pop JACQUES, cuyo disco LIMPORTANCEDUVIDE tiene dosis de humor, excentricidad y ritmo que traen buenos recuerdos de compatriotas suyos hábiles en eso (como Michel Polnareff). Es un disco fresco y colorido”.

“Un disco de esta temporada que me voló la cabeza fue Kumoyo Island, de la banda japonesa Kikagaku Moto. Un álbum redondo, muy en la línea de lo que hacía el grupo con un rock psicodélico en tono occidental, pero a la vez muy particular y de vocación aventurera. Las letras se construyen a partir de sílabas creadas por ellos, ya que, como comentaron en su momento a Rolling Stone, querían que los públicos occidentales pudieran escucharlos sin necesariamente entenderlos, tal como les pasaba a los japoneses al escuchar música de EE.UU.

El álbum, de once canciones, de alguna forma resume la trayectoria de la banda de Tokio; rock psicodélico de manual, de notas largas, melodías como letanías, extensos pasajes musicales que incluyen hasta sitar eléctrico. De hecho, en escena usaban el clásico vestuario colorido de los sesentas (por algo GQ los llamó ‘la banda mejor vestida de la década’) y sus conciertos solían ser extensos, con canciones alargadas en que suenan los riffs crujientes y largos solos, al estilo de los sesentas. Además, el álbum es el último de la banda antes de anunciar su receso esta temporada, por lo que marcó el adiós para un proyecto interesante que defendió un estilo que pareció revivir en nombres como Tame Impala de sus primeros discos, Sunbeam Sound Machine y Pond, pero que hoy deja un vacío”.

“Creo que este proyecto, no se si merece más atención, pero si hubiera aparecido hace 15 años, cuando la movida indie y garage estaba en ebullición, y habían más vitrinas y espacios, probablemente estaría en la estratósfera. Me refiero al dúo femenino Wet Leg. Me enteré de ellas en un artículo en una web mexicana y me intrigó su imagen y estética. Un par de meses después vi que estaban en un escenario de Glastonbury, vi su show. Obviamente pensé en The White Stripes por el hecho de ser un dúo, el sonido y la estética garage. Si bien han tenido atención de ciertos medios, pienso que todo es timing particularmente en el mundo del entretenimiento. En este contexto actual de música urbana y de bases pregrabadas, lo de ellas no se cuanto espacio pueda llegar a tener”.

“Laurel Hell de la artista japonesa-estadounidense Mitski. A pesar de ser su álbum más exitoso comercialmente (debutó en el número cinco de Billboard), me quedó la sensación de no recibir suficiente reconocimiento. En el tracklist hay una inclinación a jugar con sonidos ochenteros, como en The only heartbreaker o Love me more. El foco de las letras también parece abandonar el relato de historias, para abocarse en un discurso mucho más íntimo, que seguramente incluye varias de las reflexiones que la artista sacó en sus años de receso. Destaco la atmósfera de canciones esenciales como Valentine, Texas, con un sonido envolvente que sorprende y que recuerda a los mejores pasajes de Puberty 2, y Heat Lightning, retratando el hastío con una precisión que empapa tanto lo musical como la lírica. Me parece un trabajo que, dentro de su variedad sonora, logra encantar de principio a fin. Hay varias cosas que se mantienen intactas, como su extraordinaria habilidad de traducir en palabras sencillas y concisas varios sentimientos melancólicos que, aunque universales, resultan difíciles de verbalizar con tal precisión. Una característica que se complementa con la calidez y expresividad de una voz que no tiene nada que envidiar a otras de la industria. Es un disco más que recomendable que confirma dos afirmaciones sobre ella: Mitski es una de las compositoras más avanzadas del último tiempo (Iggy Pop) y, definitivamente, mucho más que un éxito de Tik Tok (New York Times)”.

“En un año donde los regresos han sido más que abundantes (Arctic Monkeys, Yeah Yeah Yeahs, Björk, Kendrick Lamar), hay canciones y discos que pasan inadvertidos dentro de esta gran lista. Uno a destacar es As The Moon Resets de A.A. Williams. En este segundo disco de la cantautora basada en Londres, nos encontramos con once piezas que exploran momentos conmovedores que transmiten mucha tristeza, melancolía y liberación catártica. En los casi 62 minutos que componen esta placa, Williams va jugando con las líneas entre el post rock y el post metal logrando levantar un disco elegante, teatral e introspectivo, que goza de una voz cautivadora que va poniendo a tono cada pista, pasando por momentos donde casi es inaudible a destellos con una fuerza implacable. Mantiene la línea con la que venía trabajando desde su debut Forever Blue (2020), con la diferencia que en esta ocasión lo lleva un pasó más allá, entregando un álbum que denota el crecimiento que ha tenido en estos cortos años y dejando claro que aún le queda mucho por ofrecer”.

“Me gustaría recomendar el último single del artista Joakino, que se llama Bellako favorito. Es una propuesta súper interesante, uno de los pocos referentes del género urbano que es queer y en su lírica se expresa como tal. Me parece muy positivo que exista gente como Joakino que esté haciendo urbano, reggaetón y tenga presente líricas honestas de acuerdo a quienes son, y que en la canción le esté cantando a otro chico con ritmo de reggaetón, y que sea una canción que se pueda poner en una disco, y se pueda perrear tranquilamente. Este tipo de proyectos debería tener mucha más visibilidad ya que la comunidad LGBT consume reggaetón pero no existen muchos referentes. Proyectos así son súper valorables y positivos para igualar la cancha de una u otra forma”.