Con un ingente flujo de música y productos culturales que aparecen regularmente, a menudo se hace difícil decidir uno para empezar. Por ello, cada semana, Culto ofrece una lista con algunas novedades interesantes.

Una sentida balada al piano con cierto aire de intimidad, basta para definir a “Cuando hablo de ti”. El tercer sencillo de adelanto del inminente nuevo álbum de Fármacos, es una composición que marca un territorio sonoro diferente respecto a las composiciones ya conocidas (“Tú detrás de todo” y “Manual de una pérdida”) y explora, cómo no, en una historia de pérdida .

“Una balada de habitación en estricto rigor -la acota Diego Ridolfi, el hombre tras el proyecto-. Un sufrimiento melodramático que habla de culpar a alguien por el destrozo y el mal que se vive, pero luego caer en cuenta que también se es culpable porque permitiste aflorar esos sentimientos, permitiste el daño”.

Con la producción de Cristián Heyne y la colaboración de Andrés Aracena (bajo y guitarras), y Lucca Beguerie de Usted Señalemelo (batería), la composición se grabó de forma casi exacta a como fue compuesta. “Partió en un piano, de forma muy rápida, y si bien se le sumaron algunas cosas, se respeta la esencia del demo -detalla Ridolfi-. Es casi lo mismo. La letra nació ahí mismo en el piano”.

En su tono más personal, esta composición abre la paleta de sonidos del nuevo álbum del proyecto, el que se espera se publique durante el primer trimestre del próximo año. “Mi intención es que sea una especie de playlist que representen algo como unidad más allá de un concepto general de disco”, remata Ridolfi.

Como primer lanzamiento de la naciente cooperativa Ronda, que reúne artistas, productores y otros emprendedores, llega el split Espiral, que reúne a Fernando Milagros y a Rubio, cada quien con una canción propia.

En el caso de Rubio, su canción se titula “El secreto”, un tema que guarda sintonía estilística con el material que Fran Straube, la mujer tras el proyecto, trabajó para Mango Negro, su segundo largaduración publicado en esta temporada. “La última canción de mi disco se llama El Fruto y esta canción es lo anterior, es el secreto que ahora quise compartir”, comenta.

Por su lado, Milagros aporta con “Ojos de Fuego”, un tema con una vibra andina en el juego de percusión y charango, que lo emparenta con otras composiciones de su carrera. Pero no está solo. En la pieza participan el trío electrónico Matanza y el multiinstrumentista Rodrigo Aros, a quienes el hombre de “Puzzle” convocó debido a que “tiene desde su inicio un espíritu colaborativo de artistas y amigos”.

“Hola, soy Diego Lorenzini. Tal vez me recordarás por grupos como la banda de música no-experimental VariosArtistas o Tus Amigos Nuevos”, así al estilo de Troy McClure de Los Simpsons, el músico y artista visual desarrolla la idea que articula “All-Time Favorite”; un tema que discurre en la relación a menudo compleja entre el arte y las exigencias comerciales.

En sus palabras, Lorenzini afirma que en el tema asume la voz de “un amigo entusiasta del consumo, cosa de entregar mi devoción frente a su hegemonía como una ofrenda empalagosa que termine ridiculizando sus modales. Claro, no sin un dejo de ingenuidad, creo que el reírme de mí mismo es la única forma honesta que tengo de desenmascarar esa oscura simbiosis entre música y publicidad tan popular actualmente”.

La canción, trabajada a medio camino entre un jingle comercial y un estándar de jazz, cuenta con la colaboración del saxofonista italiano Stefano Ortisi. El vínculo entre ambos surgió durante una gira europea de 2018, en que Lorenzini -junto a la troupe del sello Uva Robot- compartió escenario con el noruego Erlend Øye (Kings of Convenience, The Whitest Boy Alive). La camaradería en la carretera fue tal, que se materializó en esta primera grabación juntos. Un encuentro que definen como “elegantemente cínico”.

Para Lorenzini, la canción también es una suerte de alarma. “Y sí, puede que sea tan solo ponerme el parche antes de la herida, pero al menos estoy intentando avergonzarme de antemano para entrenar esos anticuerpos que tanto necesitamos en aquellos momentos en que el consumo nos convierte en nuestras propias víctimas o victimarios…”.

Cristián Mejías (23) es un freestyler oriundo de Talca. Bajo el alias de Ebensai, ha fogueado su rima en las Batallas de gallos de Red Bull, donde ha ganado algunas competencias regionales (en 2016 se quedó con el título de Concepción) que le han dado un nombre en el circuito.

Pero su habilidad también alcanza para los discos. En 2019 debutó en el largaduración con Anatomía Celeste, el que recopila letras que desarrolló durante una década. Este año, vuelve con “Phantom Pain”, el primer adelanto de un segundo disco, el que explora en otros intereses, como la electrónica.

“Durante la cuarentena estuve estudiando electro, sus orígenes y como se fue desarrollando -cuenta el artista-. Todo eso lo encontré en el Manifiesto de la música electrónica. Grupos como Dashevsky, Rival Consoles, Faodail y productores como Haidden Jayeem influenciaron el sonido que quería darle al disco”.

De momento, el álbum está en sus fases finales y se publicará en lo que resta del año, bajo el amparo del catálogo del sello Toto Roquer.

Una suerte de trabajo de campo, definió el trabajo tras las diez composiciones de Canciones para el siglo XXI, el segundo álbum de Poder Fantasma, la banda que concentra los esfuerzos de Francisco Heredia.

“Surge del interés de narrar vivencias actuales, para la mirada de las personas del futuro, si es que la humanidad continúa -explica Heredia- Las letras están en primera persona pero son hechos que me contaron mis amigxs o que vi”.

De esta forma, la placa es concebida como su autor como un artefacto que dialoga con su tiempo y con el futuro, a la manera de “un dibujo grabado en una caverna para que otro ser humano lo encuentre en mil años más y conozca las situaciones que vivíamos a principios del siglo XXI -agrega-. Al igual que nosotros lo hacemos con los vestigios de las civilizaciones antiguas”.

En lo musical, la placa destaca por sus pasajes cargados a la electrónica, un interés que Heredia desarrolló durante largos días de encierro. Y no necesariamente a causa de la pandemia. “Me encerré con mis máquinas y aprendí a sacarles el mejor provecho. Me esforcé por hacerlo profesional y eso trajo beneficios físicos y espirituales”, cuenta.

Para él, esta placa es un salto respecto a lo que se conoce del proyecto. “Es el mejor disco que he hecho en términos de producción”.

Como la de muchos antes que ella, la de Rachel Hester es una historia en que se deja una vida trás para perseguir un anhelo. La artista y modelo oriunda de Tampa, Florida, se mudó al sol de California para darle un impulso a su incipiente carrera musical. Allí tomó el nombre de Cold Moon, un resumen de su sonido oscuro, con ciertos guiños al dream pop.

Las cosas comenzaron a caminar tras conocer al productor chileno Fernando Ater, quien cuenta con un currículum que ya se quisiera cualquiera; ha trabajado con nombres como The War on Drugs, Local Natives, Dawes, OHM y Mon Laferte.

Ambos comenzaron a trabajar en el proyecto. Pero con las restricciones de la pandemia, Ater decidió volver a Chile. Rachel le siguió, y fue acá donde acabaron los toques finales para el sencillo debut de Cold Moon, una dramática balada titulada “Woman in White”, la que según su autora “se trata sobre un sueño que tuve en la noche de la luna fría en diciembre del año pasado”.

El single, ya disponible en plataformas, adelanta el sonido de la artista, en el que se reconocen influencias tan variadas como Cocteau Twins, The Cure, Molchat Doma y Björk. Para Ater, la posibilidad de trabajar con el proyecto desde su origen, le dio mayores posibilidades de intervención. “En Los Angeles trabajé con muchos artistas de diferentes corrientes -cuenta- pero con Cold Moon hubo algo más allá que fue el permitir desarrollar y ampliar musicalmente el horizonte de sus canciones, y que en sí tienen un carácter hipnótico y liberador a la vez”.

De momento, la dupla sigue trabajando en las nuevas composiciones de Cold Moon, sin mayores noticias sobre algún estreno en larga duración.

Otro espacio para sus inquietudes es el que desarrolla Simón Campusano (voz y guitarra de Niños del Cerro), en este nuevo lanzamiento en solitario. Se trata de Este debe ser el lugar, un epé de covers, trabajado junto al ingeniero Víctor Muñoz, que ya se adelantó con la lectura para “Fuegos Artificiales” de Animal Collective.

A esta se le suman otras cuatro canciones tomadas del cancionero indie: “Agorafobia” de Deerhunter; “Barquito”, su mirada para “Tugboat” de Galaxie 500; “Aquí” inspirada en “Here” de Pavement; y “Este debe ser el lugar”, una aproximación a “This Must Be The Place” de Talking Heads.

“Son canciones y bandas que me gustan mucho, que las saco en guitarra y las traduzco -cuenta el músico-. Fue muy entretenido el ejercicio de adaptarlas a mi versión, es algo que vengo haciendo hace cinco años, hay algunas que he integrado en mi repertorio de presentaciones”.

“El único criterio que tuve para reunirlas fue lo mucho que me producen y con las que tengo un vínculo emocional muy fuerte”, agrega.

Este debe ser el lugar, se presentará el próximo 12 de diciembre, en un show con público presente -en un local en Ñuñoa- que marca la primera presentación como solista del músico, ocasión en que también interpretará temas de su placa debut Brillo. Las entradas están a la venta en el sistema Eventrid.

Desde San Antonio, cuna de cantores populares en la costa chilena, llega Un futuro sin silencio, el segundo EP del trío N.A.R mental, publicado bajo el alero del sello porteño Hiss Records. En sus cinco canciones, desarrollan una propuesta de rock directo y filoso, sin concesiones.

“Estas canciones fueron creadas hace como dos años atrás, el proceso de composición fue un poco más en la dirección de la improvisación -explican-. Estuvimos un verano entero encerrados, solo tocando estos 5 temas, con el primer bajista recién estabamos armandolos, queríamos un sonido mucho más punk

En su mezcla de punk, stoner y metal, el trío desarrolla una propuesta, que aseguran, se condensa en la canción “Androides”, la segunda del álbum. “Fue la primera canción que salió en esa etapa creativa y en la que más nos costó encajar la letra -aseguran-. Por eso la dejamos así con puro coro, no tiene estrofa, es como la canción que más define el disco a mi parecer”.

Junto a este trabajo, desde el sello también destacan los nuevos trabajos de su flamante escudería de bandas rockeras; así llegan el recién publicado sencillo “Hoy no es viernes”, de los santiaguinos Ciudadanos, y el epé debut de Pulpo Dumbo, titulado 9, en el que resumen su sintonía con los trabajos de Dinosaur Jr y Built to spill.

Sobre la reedición de “El detenido” de Los Bunkers, lo nuevo de Bad Bunny, el regreso de Chinoy y el cuarto álbum de Spiral Vortex, puedes leer en sus respectivas entradas.