Zoom a Andy Warhol: “Su fuente de arte más importante e innovadora fue la confusión misma”

Para Blake Gopnik, crítico de arte estadounidense, la personalidad algo payasesca y excéntrica de Andy Warhol, fue más bien una fachada. Es su conclusión tras años de estudio del artista ícono del Pop Art del siglo XX. “Al estudiar documentos en los archivos de Warhol, así como en los archivos de su escuela de arte en Pittsburgh, me di cuenta de lo inteligente y sofisticado que era en realidad, y que la personalidad ingenua y tonta que todos conocemos era solo eso: una personalidad que adoptó para ocultar lo inteligente que realmente era”.

Eso es lo que muestra en su libro Warhol, una biografía del artista que acaba de llegar a Chile a través del sello Taurus. El gran mérito del trabajo de Gopnik es haber atrapado la figura del artista en otra dimensión, hasta ahora no tan conocida, la del intelectual. “En la década de 1940, tenía una excelente educación en arte e historia del arte (he visto sus libros de texto universitarios y las notas de sus clases) y absorbió todo lo que sus maestros y compañeros de clase tenían para ofrecer. Sus amigos más cercanos confirmaron esta visión de Warhol como un intelectual secreto que solo comenzó a hacer el tonto para tener una mejor coincidencia con el arte pop que produjo”, comenta en charla con Culto.

¿Qué lo motivó a escribir una biografía sobre Andy Warhol? ¿Qué aspectos de su vida le resultaron más intrigantes?

Como crítico de arte, tuve muchas ocasiones de encontrarme con el trabajo de Warhol a lo largo de los años y de reconocer su especial excelencia, no solo en las famosas obras de la década de 1960, sino también en piezas mucho más extrañas de las décadas de 1970 y 1980. Cuando sus documentos estuvieron completamente disponibles, por primera vez, en los archivos del Museo Andy Warhol en Pittsburgh, quedó claro que finalmente sería posible contar una historia completa y precisa de su vida, y que yo podría ser la persona Para hacer eso.

En particular, quería explorar, en detalle, cómo interactuaban su vida y su arte, y qué significaba eso en los contextos artísticos de su tiempo. La gente ha insistido durante mucho tiempo en que el trabajo más grande de Warhol fue su vida y su personalidad, pero quería tomarlo en serio como un concepto artístico y ver qué significaba como una táctica que encajaba en la cultura vanguardista más amplia que lo rodeaba. Y, mientras escribía mi libro, me di cuenta de que las experiencias de Warhol como hombre gay en los Estados Unidos de la posguerra eran absolutamente vitales para entender tanto al hombre como a su vida, y cómo ambos se juntaron.

¿Cómo crees que la infancia y los primeros años de vida de Warhol influyeron en su estilo artístico y su enfoque de su arte?

Como miembro del oscuro grupo étnico conocido como Carpatho-Rusyns, de lo que ahora es Eslovaquia, Warhol tenía un estatus de extraño que se convirtió en el centro de su creación artística y de los estilos que adoptó tanto en su arte como en su vida. Combinó eso con su experiencia de joven gay en un Pittsburgh profundamente homofóbico, y se dio cuenta de por qué siempre podía mirar a la sociedad estadounidense desde afuera, incluso cuando pretendía ser, o quería ser, un participante normal en su corriente principal

Warhol es conocido por su enfoque en la cultura y la fama de las celebridades. ¿Cómo crees que su relación con la fama influyó en su trabajo y en su vida personal?

Creo que se ha exagerado bastante el interés de Warhol por la fama, en parte porque alentó esa exageración. Siento que su verdadero interés en el concepto estadounidense de celebridad fue como un tema para su arte de vanguardia y casi como un suministro de arte en la actuación de su propia vida. La fama que quería, sobre todo, era la fama de un artista verdaderamente grande y radical. Su idea central fue que podía lograr esa grandeza artística y celebridad, que podía rivalizar con el mismo Picasso, al tomar la fama como un tema central en el trabajo que hizo y en la vida que interpretó.

¿Qué papel jugó Warhol en el desarrollo del movimiento pop art? ¿Cómo crees que su obra influyó en el arte contemporáneo?

Como casi todos los “movimientos” en el arte, el arte pop es un concepto muy vago, apenas heurístico, que se impuso a una serie de artistas que en realidad no tenían mucho en común, aparte de una cierta superposición en el material de la cultura pop en su trabajo artístico, a menudo con fines muy diferentes. Warhol no fue el primer artista en usar ese material con buenos resultados: Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein llegaron allí al menos meses, si no años, antes que Warhol, y hubo otros antecedentes aún más antiguos en su trabajo. Pero Warhol se destaca de todos sus pares y predecesores en su profundo compromiso con los conceptos de ready-made y apropiación de Marcel Duchamp, es decir, en su compromiso con un enfoque esencialmente conceptual para hacer arte donde, como mínimo, cambias tu fuente de cultura pop. En el fondo, los otros artistas pop eran fabricantes bastante tradicionales de objetos de bellas artes que trataban temas de la cultura popular; Warhol confundió por completo las categorías de bellas artes y cultura pop, del mismo modo que Duchamp confundió deliberadamente los suministros de plomería con la escultura. Paradójicamente, esa confusión es lo que hizo que el arte de Warhol fuera más “bueno” e importante que el trabajo de sus pares del Pop Art, y tan influyente en los artistas más notables de los últimos veinte o treinta años. Damien Hirst, Takashi Murakami, Jeff Koons, incluso Hiroshi Sugimoto, ninguno de ellos podría haber sido el artista que fue sin Warhol.

Warhol fue un polémico y figura polarizante en el mundo del arte. ¿Cuál crees que fue su mayor aportación y su mayor crítica al panorama artístico de su época?

El movimiento más valiente y radical de Warhol fue llamar la atención sobre la superposición, la inevitable superposición, entre la cultura del arte y la cultura de la mercancía. El primer trabajo que mostró en una galería comercial consistió en un lienzo serigrafiado con 200 imágenes de un billete de un dólar, un lienzo que le costó $200. Esa confusión obvia y deliberada entre un objeto de arte y una mercancía comercial dio forma a una gran parte del pensamiento y la práctica posteriores de Warhol en lo que eventualmente llamó “Business Art”, el “paso que viene después del arte”. Se atrevió a presentarse a sí mismo como un participante completamente “vendido” en la cultura popular, lo que en realidad significaba que estaba menos vendido que sus colegas fabricantes de objetos más convencionales.

¿Cuál fue el impacto de la película Empire en la carrera de Warhol y en la historia del cine experimental?

Las películas de Warhol de mediados de la década de 1960, desde Sleep (una película de cinco horas y media de su novio desnudo durmiendo), hasta Empire (ocho horas de imágenes estáticas casi inmutables del Empire State Building) , a Chelsea Girls (un retrato agresivo y disyuntivo de la escena clandestina de Nueva York), inyectó una enorme energía nueva en el mundo del cine experimental e introdujo todo tipo de temas y enfoques nuevos. Pero también inyectó una nueva agresividad y dureza en el cine de Hollywood de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, que en cierto modo llegó a imitar (y diluir) las innovaciones de Warhol. Bonnie and Clyde, Midnight Cowboy, Taxi Driver y, sin duda, Easy Rider probablemente no habrían existido sin el ejemplo de Warhol.

Warhol también incursionó en la música y la producción discográfica. ¿Cómo crees que estas experiencias se relacionan con su obra de arte en general?

El interés de Warhol por la música y los discos no se centraba realmente en la música o los discos en sí mismos, sino en la forma en que podía usarlos para intervenir en el mundo de la cultura popular e infectarlo con ideas del arte de vanguardia y viceversa. The Velvet Underground obviamente demuestra eso de la mejor manera. La propia banda ya estaba involucrada en confundir las dos categorías, con la formación de John Cale en música de vanguardia y el trabajo de Lou Reed en la composición de canciones de rock and roll. Pero luego, la “adopción” de la banda por parte de Warhol ayudó a confundir aún más las cosas, debido a su propio papel tanto en la cultura artística como en la popular. ¿Estaba The Velvet Underground “ascendiendo” en las bellas artes debido a su participación con Warhol, o Warhol se estaba “hundiendo” en el rock and roll? Warhol quería asegurarse de que la pregunta no pudiera responderse.

Muchos artistas contemporáneos citan a Warhol como una influencia significativa en su obra. ¿Cuáles cree que son los aspectos más perdurables del legado artístico de Warhol?

La fuente de arte más importante e innovadora de Warhol fue la confusión misma. Damien Hirst puede leerse como un falso completo, solo por el dinero, pero también como un artista serio deseoso de abrir nuevos caminos. Jeff Koons podría ser un loco, demasiado extraño para entender nuestros códigos culturales normales, pero también podría ser un sofisticado que sabe exactamente lo que está haciendo. Cuanto menos fácilmente podamos clasificar lecturas tan diferentes, más podremos sentir la verdadera influencia de Warhol.

¿El hecho de completar tu investigación y escribir tu biografía cambió tu perspectiva sobre Warhol o su trabajo de alguna manera? ¿Por qué?

Antes de comenzar con la biografía, estaba bastante seguro de que Warhol era un gran artista. Después de completarlo, me di cuenta de que tenía un rango que no había reconocido, y también una profundidad. Incluso después de escribir 1.000 páginas sobre él, sentí que casi todos los momentos de su vida, y casi todos los trabajos que hizo, podrían haber merecido sus propias mil páginas. Warhol, un artista tan a menudo visto como un maestro de las superficies y los gestos poco sutiles, resultó haber creado un trabajo y construido una vida tan compleja como cualquier pintura de Tiziano, Rembrandt o Picasso. Las Meninas, de Diego Velázquez fue descrita una vez como la “teología de la pintura”. La vida y la carrera de Warhol podrían describirse como un Nuevo Testamento para el modernismo.