Mon Laferte y la exposición que la trae a Chile: “Siento que he sanado algo de mí”

Mon Laferte es —entre muchas otras cosas— una artista en el sentido más amplio de la palabra.

Lo ha sido desde pequeña, al igual que el resto de su familia. “Somos como todólogos desde bebés”, asegura para Culto en esta entrevista. Su obra es fiel reflejo de eso.

Radicada en México, Laferte ha sido reconocida internacionalmente por su música, algo que la ha llevado a tocar en escenarios alrededor del mundo, desde el Madison Square Garden en Nueva York hasta el Luna Park en Buenos Aires. Además, su versatilidad la llevó a incursionar en las artes visuales a través del dibujo y la pintura, llegando a formar su propia galería en Tepoztlán, México. Con ocho álbumes de estudio y una exposición a portas de ser inaugurada, la cantautora parece seguir multiplicándose.

“Siempre estoy pintando, bordando, escribiendo, haciendo mil cosas...”, expresa.

Fue en este mismo frenesí guiado por la creación y el autoconocimiento que resonó dentro de la artista el concepto de la autopoiésis —acuñado por los biólogos chilenos Humberto Maturana y Francisco Varela en 1973— o la teoría de que todo ser vivo es un sistema cerrado que está continuamente creándose a sí mismo y, por lo tanto, reparándose, manteniéndose y modificándose.

Una autosanación, así lo interpreta la artista, que le dio el nombre de la teoría a su último disco, lanzado el 10 de noviembre de 2023, y a la exposición que la traerá de vuelta a Chile el próximo 30 de octubre en el Centro Cultural Matucana 100.

“Esta idea de la autopoiética, y en general, la obra de Maturana, es muy conciliadora y te invita a la reflexión”, explica la artista. “La autopoiética te dice que siempre tienes la posibilidad de cambiar, y eso es maravilloso, darnos cuenta de que siempre podemos modificarnos, observar lo que fuimos, abrazarlo y modificarlo también”.

Con la curaduría de Beatriz Bustos Oyanedel, Autopoiética llega emplazada en mil metros cuadrados a la Galería Principal de Matucana 100 como un ejercicio de reflexión sobre los diversos modos de ser, explorando temáticas como la culpa, la violencia a la mujer, los discursos de odio y la revaloración de la diversidad. Una suerte de catarsis guiada por el concepto de la reinvención y sanación que se manifiesta en siete salas distintas mediante diferentes lenguajes, como la pintura, la escultura, el sonido, el video, la instalación e incluso la performance.

—La exposición se despliega en siete salas distintas donde muestras distintas formas de creación ¿Cómo fue el proceso de crear este recorrido?

Trabajando con Beatriz, que es la curadora, ella es muy seca, muy bacán, muy inteligente. Yo le conté toda mi idea y entre las dos lo hicimos. Ella me fue guiando por las salas, ¿no?, para montar la exposición. Lo que yo sí tenía claro era que quería que fuera colaborativo, no quería que fuera un espacio solamente mío con mis ideas, sino que creo muchísimo en lo colectivo, en lo participativo. No es solo lo que yo pienso acerca de nuestra sociedad, sino que hay relatos reales, hay una sala donde mostramos relatos que personas compartieron. Yo hice la convocatoria a través de mis redes sociales. Hay una sala que es totalmente una instalación, hay otras salas que sí son mucho más pinturas mías, pero en general todo está basado en historias de otras mujeres.

—¿Cómo recibiste estos testimonios? ¿Fue fuerte emocionalmente?

Creo que tuve unas semanas muy duras, unos meses muy duros trabajando sobre estos relatos, porque te encuentras de todo tipo de cosas. Hay cosas que me parecieron muy muy muy fuertes. También trabajé paralelo con las arpilleristas —mujeres que plasmaban en sus bordados la búsqueda de sus familiares durante la dictadura— ellas también me contaron sus historias. Yo pasé a ser, de alguna manera, como una terapeuta, porque era escuchar a la gente durante horas y leerlas. Eso fue bien pesado para mí porque fue mucho y te das cuenta de que sí es un problema que tenemos como sociedad, la violencia a la mujer y un montón de otras situaciones.

—¿Crees que esa experiencia en cierto sentido te reafirmó que lo que estabas haciendo era importante?

La verdad es que sí, o sea claro, uno a veces tiene sus ideas locas, pero después, cuando ya lo estábamos haciendo, nos dimos cuenta de que sí, es real, es importante y va a servir, va a ayudar. Yo siento que el arte, si no te dice nada, solo es decorativo. El arte podríamos decir que es la belleza, pero la belleza no es solo estética, sino que tiene que ver con la forma en la que vivimos y como nos sentimos.

—¿Qué parte del proceso creativo disfrutaste más?

Yo creo que todo lo disfruto bastante porque son horas de meditar básicamente. La parte de la pintura, como tal, es algo que disfruto mucho porque es muy terapéutico para mí estar pintando, es como estar en una meditación muy profunda. Son horas de pintar, pintar, pintar. Ahora, esta exposición particularmente para mí sí fue un poco más pesada emocionalmente, te diría que la parte de las experiencias de las mujeres no la disfruté, no me dio no me dio satisfacción, no lo gocé, pero lo agradezco porque siento que aprendo mucho de escuchar todas estas historias y de cómo estas mujeres también salieron adelante y lograron superar sus dificultades entonces, de alguna manera claro, no lo gocé, pero aprendí y eso se agradece.

—¿Sientes que después de crear esta exposición pudiste sanar alguna parte de ti?

Totalmente. Yo viendo, escuchando relatos, leyendo, siento que he sanado algo de mí, pero muchísimo. Justamente que esta invitación que le hago a la gente es observar la acción por la cual te sientes culpable, observar esta acción y dejarla ir, es una acción más en tu vida porque somos simplemente seres humanos, entonces es eso. Observo mi vida y estoy dejando ir muchas cosas y viviendo más liviana también. La invitación es que la vida sea más leve.

Autopoiésis de Mon Laferte estará disponible desde este 30 de octubre de 2024 hasta el 19 de enero de 2025 en la Galería Principal de Artes visuales del Centro Cultural Matucana 100. Las entradas se pueden encontrar en PuntoTicket.